Géneros menores del teatro

Subgéneros menores de el teatro 

La zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España que se distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (pueden realizarse: solos, dúos y coros) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que estas últimas, las partes habladas, están completamente ausentes. El término zarzuela fue aplicado al género musical y teatral el cual procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

Características

      La zarzuela es un tipo de teatro musical en el que la palabra hablada se alterna con música, fundamentalmente con fragmentos cantados que también pueden ser instrumentales.

      Por su origen y desarrollo es un género estrictamente español, aunque su aspecto sea similar a otros europeos como el singspiel alemán o la opéra-comique francesa, en los que también se alterna lo hablado y lo cantado.

      No existe un único modelo de zarzuela. A lo largo del tiempo se han desarrollado numerosas variantes que afectan a la estructura y al contenido, encontrándose obras en uno o varios actos, sobre tipos de argumentos diversos o compuestas sobre muy distintas formas musicales de acuerdo con las modas de cada época.

Autores y obras

ü  Ruperto Chapí: La revoltosa (1969)

ü  Amadeo vides: Bohemios (1969)

ü  José serrano: La canción del olvido (1969)

ü  Jacinto Guerrero: El huésped del sevillano (1970)

ü  Jesús guridi: El caserío (1972)

ü  Manuel Fernández Caballero: El lucero del alba (1879)

ü  Pablo Sorozábal: Adiós a la bohemia, (1933)

ü  Manuel Fernández Caballero: La chiclanera, (1887)

La comedia musical

La comedia musical es una producción musical representativa de argumentos sencillos en los que cambian muchos y diversos componentes instrumentales y números de comedia. La comedia musical es una variante del teatro musical, que se enfoca principalmente a la comedia, teniendo sus orígenes establecidos principalmente en la Comedia Dell ‘arte del siglo XVI. La comedia Dell ‘arte es un formato de teatro italiano que incluía un argumento cómico acompañado de música, bailes y variedad de intermedios actorales. La comedia musical clásica italiana se centraba en la arlequinada (la presentación o coreografía de danza presentada por un arlequín o pierrot) y la ópera bufa (comedia en la música).

Características

      Una comedia musical está constituida por diez canciones en el primer acto y cinco en el segundo además de tres o cuatro repeticiones.

      Existen estilos preestablecidos para producir una emoción: la balada romántica, el ritmo lento, el número final, la copla cómica y el numero rápido.

      Es un género que combina: música, canciones, danzas, piezas cómicas.

      El teatro musical aparece desde que el teatro mismo surgió: antigua babilonia, Grecia y Roma.

Autores y obras

ü  Allan Scott, Dwight Taylor: Top Hat (1935).

ü  Allen Boretz, Howard Harris y Laszlo Vadnay: Copacabana (1947).

ü  Betty Comden, Adolph Green: Singing in the Rain (1952).

ü  Charles Lederer: Gentlemen Prefer Blondes (1953).

ü  Hal Kanter: Blue Hawaii (1961).

ü  George Sidney y Sally Benson: Viva Las Vegas (1964).

ü  Víctor Hugo: los miserables (1862)

El auto sacramental

El auto sacramental. Es el subgénero menor más antiguo de todos. Surge en la Edad Media de índole religiosa como profana. En la Edad Media recibían también la denominación de misterios o moralidades, sobre todo cuando trataban de tema religioso; desde la segunda mitad del siglo XVI empezaron a llamarse autos sacramentales. Es una pieza de teatro religioso, más en concreto una clase de drama litúrgico, de estructura alegórica y por lo general en un acto, con tema preferentemente eucarístico, que se representaba el día del Corpus entre los siglos XVI y XVIII hasta la prohibición del género en 1765.

Características

      Representaban episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias.

      Hay diversos tipos de auto sacramentales: Autos filosóficos-teológicos, Autos mitológicos, Autos bíblicos, Autos de circunstancias, Autos hagiográficos y marianos

      Constaba de uno o varios actos y de tema preferentemente eucarístico. Eran representaciones cortas

Autores y obras

      Pedro calderón: la vida es sueño

      Diego Sánchez de Badajoz: Auto de los hierros de Adán del Códice

      Pedro calderón de la barca: El gran teatro del mundo

      Pedro calderón de la barca: La cena del rey Baltasar

      José Valdivieso: el peregrino

      Representación de los reyes magos

Paso

Ya en la Edad Moderna, en la época de esplendor de España (el Siglo de Oro), la pasión por el teatro se extendió por todas partes. La gente acudía a los teatros, para entretenerse durante varias horas. Y no solo disfrutaba de una única obra, sino que, en los entreactos (el descanso entre un acto y otro de una tragedia, comedia o drama), se divertían con breves piezas cómicas ambientadas en la vida cotidiana. La trama de dichas piezas, que se escribían con un lenguaje muy expresivo y exagerado (para hacerla todavía más divertida), era bastante simple y solía girar en torno a un engaño a alguien muy ingenuo. Dichas piezas se llamaban pasos.

Características

      Pieza de teatro corta, generalmente con episodios cómicos y comúnmente en un acto. Y también se desarrolla en un solo lugar.

      Es breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias.

      Es considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.

Autores y obras

ü  Lope de Rueda: El rufián cobarde

ü  Lope de Rueda: Los engañados, Eufemia

ü  Lope de Rueda: Camila y Timbria

ü  Lope de Rueda: Medora y Armelina

ü  Lope de Rueda: Cornudo y contento

 Entremés

La consolidación en el siglo XVI del teatro español vio crecer el número de representaciones, con énfasis en la comedia dramática. Con antecedentes en el género burlesco “paso”, de origen renacentista, surgen los entremeses, para socavar los tiempos muertos en los cambios escénicos de la representación. Junto a los pasos, también destacaban los entremeses, que son muy parecidos. No en vano, también eran piezas cómicas breves que se representaban en los entreactos. El entremés critica con humor a la sociedad y los defectos del ser humano. Es una pieza u obra teatral cómica en un acto, escrita en verso o prosa, que se solía representar entre la primera y la segunda jornada de las comedias del teatro clásico español.

Características

      Era una pieza dramática jocosa y de un sólo acto, protagonizada por personajes de clases populares.

      Fase de decadencia del entremés; incluye los fines del siglo xvii y el siglo xviii en que acaba por desaparecer de la escena, en 1778

      Eran habituales personajes (o, mejor que personajes, tipos) del entremés el bobo o simple, malicioso, aunque suele ser víctima de los engaños ajenos.

      El argumento del entremés no suele tener conexión con el de la obra de mayor extensión, y suele ser humorístico con elementos carnavalescos

Autores y obras

ü  Miguel de Cervantes: El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha.

ü  Los quiñones de Benavente: La vista de la cárcel

ü  Los quiñones de Benavente: Los muertos vivos

ü  Los quiñones de Benavente: La hechicera.

ü  Francisco de Quevedo: la vida del buscón

Sainete

Esta tradición humorística sería recogida en el siglo XVIII por los sainetes, los cuales, al igual que los anteriores, eran breves y cómicos. Su rasgo particular, que lo diferencia de los demás subgéneros menores, es el costumbrismo; es decir, el hecho de que sus historias reflejaban las formas de hablar y comportarse de regiones muy concretas de España (Andalucía, Castilla, Valencia...). El mejor ejemplo lo tenemos en La pitanza, sainete de los hermanos sevillanos Álvarez Quintero, en el que se aprecian claramente el modo de hablar de los hispalenses:

Características

      El sainete es una composición larga o breve, generalmente en un acto, de tema humorístico, que refleja costumbres y hablas populares. Antiguamente se representaba a continuación de una obra.

      Genéricamente viene dado por su ligereza expresiva, sus ambientes populares y su realismo.

      Está constituido por dos elementos principales: su valor documental (como reflejo de una determinada época de la historia española y de una sociedad concreta) y su españolismo (fervor patriótico que emana de lo popular).

      Un rasgo importante es su simplicidad, es decir, la carencia de artificios en los medios escénicos utilizados.

      Sus principales elementos integradores son: los tipos, el ambiente y el diálogo chispeante, que responden a factores psicológicos, sociales y teatrales en sentido estricto.

Autores y obras

ü  José cedena: La trinchera de Pichote

ü  José cedena: La cotilla desenmalahostiada

ü  José cedena: El parque de los solterones

ü  José cedena: El hombre, la chapuza de Dios

ü  José cedena: El autobús de Peporro, de tres más y de Socorro

ü  José cedena: Don Sabino Curatrasdedoper

Farsas

La farsa es una forma dramática en el que los personajes se desenvuelven de manera caricaturesca o en situaciones no realistas. La farsa no existe en estado puro, ni es un género propiamente dicho; es más bien un proceso de simbolización que puede sufrir cualquier género dramático, en una relación similar a la existente entre la palabra y la metáfora. Las farsas surgieron en la época medieval, cuando los géneros teatrales dominantes eran los misterios y las moralidades.

Características

      Suele utilizarse este estilo para criticar la forma en la que viven los seres humanos, manifestando diferentes posturas en torno a la organización social.

      Los personajes que forman parte de una farsa actúan de manera extravagante, pero manteniendo la credibilidad y la verosimilitud.

      La trama de estas obras intenta mostrar la realidad de forma muy exagerada. Esto hace que las farsas puedan realizar una crítica social desde el humor.

Autores y obras

ü  José Soler Puig: El macho y el guanajo

ü  Antón Chéjov: El oso

ü  Antón Chéjov: Petición de manos

ü  Antón Chéjov: Trágico a la fuerza

ü  Antón Chéjov: Todos los juguetes cómicos

ü  José Ramón Brene: Chismes de carnaval

ü  Hernando López de Yanguas: Farsa de la concordia

 El teatro de tesis

La obra de tesis o teatro de tesis es una forma de teatro que emergió durante el siglo XIX como parte de un movimiento más amplio, el Realismo artístico. Un rasgo característico de la obra de tesis es que trata temas sociales problemáticos a través de debates entre los personajes sobre el escenario, quienes típicamente representan puntos de vista en conflicto dentro de un contexto social realista. Mientras tales debates en el teatro no eran nada nuevo, la obra de tesis del siglo XIX se distingue por el hecho de que el propio teatro se diseñaba para confrontar al espectador con los dilemas experimentados por los personajes.

Características

      Trata de apoyar una postura relacionada con un tema social, político, religioso o cultural.

      Los personajes son prototipos de personas comunes con una forma definida de pensar y el desenlace suele ser variado.

      Generalmente hay un propósito decente y hasta polémico.

Autores y obras

ü  Henrick ibsen: Casa de muñecas

ü  Alexandre dumas: la dama de las camelias

ü  William Shakespeare: Timón de Atenas

ü  William Shakespeare: El mercader de Venecia

ü  William Shakespeare: A buen fin no hay mal tiempo

 Operas  

Ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.

Características

      Existen tres géneros de óperas: lo italiano, lo francés, lo alemán. Los tres son románticos. Pero, el opera italiano ha pasado del canto a la verdad dramática.

      Hubo depuración del drama y sobriedad del estilo. Antes, se buscaba la perfección del canto, lo brillo de la orquesta, el nombre limitado de formas fijas y personajes estereotipados.

      El drama se presenta usando el elemento típico del teatro, tales como escenografía, vestuarios y actuación. Sin embargo, la letra de la ópera (conocida como libreto), se canta en vez de ser hablada. Los cantantes son acompañados de un grupo musical, que en algunas óperas puede ser una orquesta sinfónica completa.

Autores y obras

ü  Arthur Sullivan: The Pirates of Penzance

ü  Gioachino Rossini: Armida

ü  Giuseppe Verdi: Don Carlo

Vodevil

El vodevil fue un género de teatro de variedades que existió en EEUU principalmente entre los años 1880 y 1930. Se conoce también como vodevil a un tipo de comedia ligera que se desarrolló en Francia a partir del siglo XVIII y que solía intercalar números musicales. El vodevil americano presentaba una gran variedad de actuaciones que pretendían entretener y provocar la hilaridad o el asombro en el espectador, incluidos espectáculos musicales, danza, espectáculos de comedia, espectáculos con animales entrenados, espectáculos de magia, acrobacia, cine (presentación de cortometrajes y canciones ilustradas), malabarismo, obras teatrales de un acto, pantomimas y demostraciones atléticas. El origen del vodevil en Francia está en el enriquecimiento de la comedia teatral mediante letras cantadas usando melodías populares. En EEUU su origen es diferente y se enmarca en la línea de otros espectáculos de variedades como los music halls, music saloons, freak shows, espectáculos de burlesque, nickelodeons, dime museums, shows de minstrel y circos.

Características

      Usa la habla y la música

      Usa el sarcasmo ligero

      La música tiene una importancia secundaria

      Usa la argumentación, la acción y la intención del dialogo

      Nació en Francia

Autores y obras

ü  Hugo marcos: Cafe Manicomio

ü  Javier lester abalsamo: Hotel Manicomio

ü  El loco de la maquinita

 Pantomima

Pantomima es un subgénero dramático del mimo y el mimodrama que consiste en representar una historia mediante la mímica, sin diálogos ni palabras, es decir apoyando la narración con expresiones, gestos o movimientos corporales. Asimismo, da nombre a un subgénero dramático de la comedia musical británica que narra historias tradicionales navideñas y del folklore, en un espectáculo infantil acompañado de música y danzas. La mímica dramática se desarrolló durante el Imperio Griego y el Imperio Romano dentro de la dramaturgia clásica. Formaba parte de los recursos de la representación dramática con máscaras y el respaldo de un coro y músicos, con monólogos y diálogos. Pasó al teatro romano haciéndose muy popular como sátira de hazañas militares y relatos épicos

Características

      Es un género teatral basado solo en movimientos y gestos sin utilizar las palabras

      Utiliza solo lenguaje corporal 

      Se centra en la proyección del cuerpo para hacer visualizar imagines 

      Se centra en el aquí y ahora a partir de una circunstancia dada.

      El lenguaje expresivo debe ser consiente.

      Precisión en cada movimiento

      Determinación corporal

Autores y obras

ü  Petronio caseres artega: el vendedor de palomas de la paz

ü  Petronio caseres artega: el inquilino

ü  El merolico

ü  El buen samaritano

 Monologo

Es un discurso que genera una sola persona, dirigido tanto hacia un solo ente receptor como hacia varios receptores (personajes, lectores, auditorio, a una cosa, a un personaje o a un narrador).

En dramaturgia, el monólogo, soliloquio, o escena unipersonal es el género dramático en el que un personaje reflexiona en voz alta expresando sus pensamientos, ideas y emociones al público.

El monólogo cómico (también conocido como comedia en vivo) es una técnica teatral interpretada siempre por una sola persona normalmente de pie y sin ningún tipo de decoración o vestuario especial. Normalmente el intérprete o monologuito expone un tema o situación de la que va haciendo diversas observaciones siempre desde un punto de vista cómico con la intención de provocar la risa.

El monólogo interior es una técnica que intenta plasmar en el papel el flujo de presión del mundo real y el mundo interior, imaginado por alguno de los protagonistas. Con frecuencia, en este tipo de literatura, resulta complicado descifrar lo que ocurre. Normalmente, los escritores utilizan largas oraciones que se mueven de un pensamiento hacia otro.

Características

      Hay tres tipos de monólogos: monologo dramático, monologo cómico y monologo interno.

      El personaje reflexiona en voz alta expresando sus pensamientos, ideas y emociones al público. Sirve para caracterizar a los personajes y por tanto posee un gran valor psicológico, al ser una herramienta de introspección, mas no interactúa.

      Lo realiza una sola persona.

      El tema debe ser interesante y fácil de seguir.

Autores y obras

ü  Cesar Quevedo: única sin igual

ü  Edgar Tarazona: quien se acuesta con quien

ü  Daniel Alejandro fabro: morir y tal vez soñar

ü  Selena Hernández: anhelo

ü  Cesar Quevedo: amor imborrable

Payasadas (slapstick)

Slapstick (traducido del inglés como "bufonada" o "payasada"; o "golpe y porrazo") es un subgénero de la comedia que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor. El slapstick es una forma bulliciosa de comedia que basa su atractivo en el dolor, la farsa, los golpes y las bromas prácticas del humor crudo para crear un efecto cómico en el espectador, excediendo los límites del sentido común. Se convierte en uno de los primeros enfoques del cine y la animación, el cual florecería entre los años 1900 a 1940. El origen del slapstick es desconocido, pudiéndose remontar en un origen en el periodo clásico o en la Edad Media. El slapstick tiene un origen reconocido en el periodo renacentista de la Commedia dell'arte italiana, en el que era habitual la representación dramática de rutinas cómicas acompañadas de música; como elementos adicionales se incluían la danza y la comedia física.

Características

      El humor slapstick es un enfoque de la comedia que recurre a bromas exageradas de humor físico para definir una producción dramática que contiene un argumento sencillo.

      Este género de la comedia es también una forma usual de gag cómico que resulta en una imposibilidad física u ocurrencias inesperadas que transmiten un chiste práctico a través de la utilización de secuencias visuales.

      El slapstick se convierte en un elemento clave del humor estadounidense, estilo de humor crudo que marcó la producción fílmica y televisiva durante la primera mitad del siglo XX con la explotación excesiva de la comedia física.

Autores y obras

ü  F. Warne & Co.: the Christmas Pantomime,

ü  Chaplin y Fatty Arbuckle: The Knockout

ü  Luis lumiere: L'Arroseur Arrosé

ü  Charles Chaplin: Charlot en el balneario

ü  Harold Lloyd - El hombre mosca